Le rêve de saint Joseph (1773-1774)
par Anton Raphael Mengs (1728, Aussig – 1779, Rome). Huile sur toile. 114 x 86 cm. Kunsthistorisches Museum Wien, Gemäldegalerie, Vienne.

Dans l’Évangile de Saint Matthieu, l’apôtre raconte : «Après le départ des mages, voici que l’ange du Seigneur apparaît en songe à Joseph et lui dit : « Lève-toi ; prends l’enfant et sa mère, et fuis en Égypte. Reste là-bas jusqu’à ce que je t’avertisse, car Hérode va rechercher l’enfant pour le faire périr. » (Mat 2, 13)

En 1773, Mengs obtint le privilège d’accrocher son portrait dans la galerie de portraits d’artistes de Florence fondée par Giorgio Vasari au milieu du XVIe siècle. Il semblerait qu’il ait choisi lui-même le lieu : ayant été célébré comme « le nouveau Raphaël », il a immédiatement placé son portrait sous celui du grand peintre italien.

En 1745, Mengs était devenu peintre de la cour saxonne à Dresde, mais passait une grande partie de son temps à Rome. Là, avec Winckelmann, il devient l’un des fondateurs du classicisme et, aux yeux de ses admirateurs, il contribue à dépasser le baroque décadent.

En 1773/74, il retourna à Madrid, où il avait été nommé peintre de la cour de Charles III en 1760. Le tableau actuel représentant le rêve de Joseph fut probablement peint à l’époque florentine de Mengs et entra directement en possession du grand-duc Pietro Leopoldo.

À Rome, Mengs avait repris son étude des œuvres de Michel-Ange, et la posture de Joseph est clairement empruntée du maître, celle de Jérôme dans la Chapelle Sixtine.

Francisco de Zurbarán (1598, Fuente de Cantos – 1664, Madrid). Huile sur toile. 128 x 89 cm. Musée national du Prado, Madrid.

Le culte de la Vierge Immaculée est l’un des traits identitaires de l’Espagne du XVIIe siècle, notamment à la suite d’une violente dispute entre ses défenseurs et ses détracteurs, qui eut lieu à Séville en 1616. Dès lors, cette ville devint l’un des principaux centres conceptionnistes du pays. et ses peintres ont consacré une grande partie de leur énergie à promouvoir cette dévotion.

Zurbarán fut l’un des artistes les plus actifs dans ce sens. Il a réalisé diverses œuvres sur ce sujet, comme celle-ci, qui est l’une de ses premières compositions. Il représente son image caractéristique de jeune fille et extatique de la Vierge. Elle apparaît les mains jointes en prière, entourée des symboles des litanies qui rappellent les vertus accompagnant l’image de la Vierge.

L’abondance de ces signes complexes, qui doivent être compris théologiquement, offre aux fidèles deux manières possibles d’aborder cette œuvre : celle du manifeste doctrinal extrêmement complexe compris par un nombre limité de spécialistes, et l’image votive d’une Marie belle et enfantine dont l’apparence peut éveiller la ferveur même des croyants les moins sophistiqués.

« Je Vous salue, Marie, qui êtes conçue et née sans tâche et sans péché, priez Votre cher Fils que je ne L’offense jamais mortellement. Vierge Sainte, Très-Digne Mère de Jésus-Christ, obtenez-moi par Vos prières l’amour de Dieu et de mon prochain, l’humilité, l’amour de la retraite et du silence, l’esprit de prière et de paix, la soumission aux peines qu’il plaira à mon Dieu de m’envoyer, surtout la Grâce finale, et celle d’être une de Vos fidèles servantes pendant ma vie ». (Règles et exercices pour les Congrégations de la Très-Sainte Vierge, 1816)

Belle fête de l’Immaculée Conception.

L’Annonciation, Nicolas Poussin (1594, Les Andelys – 1665, Rome)
1657. Huile sur toile. 104,3 x 103,1 cm. Galerie nationale, Londres.

L’archange Gabriel annonce à la Vierge qu’elle enfantera le Fils de Dieu (Luc 1 : 26-38). Au-dessus d’elle plane une colombe qui représente le Saint-Esprit, par lequel l’Enfant Jésus a été conçu.

Fait inhabituel, le manteau de la Vierge est peint en jaune. Cette couleur avait une signification symbolique, signe d’espoir et/ou de pureté.

Le dessin austère, dépourvu des putti et des nuages célestes montrés dans d’autres représentations de ce sujet au XVIIe siècle, est inhabituel, bien qu’il existe des exemples antérieurs. Il a été suggéré que le tableau était destiné à être accroché au-dessus de la tombe du patron de Poussin, Cassiano dal Pozzo (1588-1657), dans l’église Santa Maria sopra Minerva, à Rome. Une autre possibilité est qu’il ait été peint pour le pape Alexandre VII, mais aucune de ces hypothèses ne peut être prouvée!

L’Annonciation, Paolo Véronèse, (Paolo Caliari) (1528, Vérone – 1588, Venise)
1580. Huile sur toile. 98,4 x 75,3 cm. Galerie nationale d’art, Washington, DC.

La Vierge Marie, agenouillée en prière, est interrompue par l’ange Gabriel, qui montre vers le haut une vision de Dieu entouré de nuages et d’anges. Entre les figures de Dieu et de la Vierge se trouve un autre éclat de lumière contenant la colombe du Saint-Esprit.

Ceci fait partie d’un groupe d’Annonciations à relativement petite échelle réalisées par Véronèse et son atelier. Une grande partie de la composition fait référence à une Annonciation que Véronèse a peinte pour l’Escurial de Madrid.

Pour cette importante commande du roi Philippe II d’Espagne, Véronèse s’est stratégiquement inspiré d’une version peinte par Titien (Vénitien, 1488/1490-1576) un demi-siècle plus tôt comme cadeau diplomatique à la mère de Philippe, l’impératrice Isabelle.

En faisant un parallèle entre la propre version de l’Annonciation de Véronèse et celle de son collègue récemment décédé, il aurait rendu un gracieux compliment à Titien et à Philippe.

Puis, après avoir satisfait aux termes d’une importante commande étrangère, il aurait été naturel pour Véronèse et son atelier de maximiser son invention en produisant des versions plus petites pour le marché local.

Dans la photo de la Galerie, Véronèse a ajouté plusieurs détails traditionnellement associés à l’iconographie de l’Annonciation, notamment la vue de la chambre de la Vierge, à droite, et la carafe en cristal, symbole de sa pureté, devant elle.

Belle fête de l’Annonciation à toutes et à tous.

Dans l’immense cortège… Il y a bien sûr les saints catalogués au calendrier universel, et, tout d’abord, « Sainte Marie », la plus belle réussite du Christ (le Fils de Dieu pouvait-il faire autrement pour sa Mère ?). Et il y a tous les Saints anonymes de la Toussaint qui peuplent le ciel … et il y a même les Saints de la terre !
Regardez simplement autour de vous ! Les Saints pullulent à vos côtés, mais vous ne pouvez pas les reconnaître.
Regardez bien ! Ils sont très divers. Dieu ne les fait pas en série. Chacun est absolument unique, original : et pourtant tous habitent le même lieu, celui où l’homme est tel que Dieu l’a créé.
Regardez bien ! Leur vie est marquée par le refus de tout faux-semblant, de tout faux-fuyant. Pour eux, pas d’autre idée que d’aller sans tricher jusqu’au bout d’eux-mêmes, en restant de vrais hommes, de simples hommes, de vraies femmes, de simples femmes.
Regardez bien ! Nulle souffrance ne leur est étrangère, nul péché non plus. Ils ne s’étonnent de rien et s’émerveillent de tout. Ils se contentent d’exister, sans aucun souci d’imiter ou d’être imités. Ils ont un amour fou de la vie, à en mourir.
Regardez bien ! Ce sont des nomades, disponibles à l’imprévu de Dieu dont nul ne sait, comme le vent, d’où il vient. Ils n’hésitent pas à se poser la vieille question de l’Évangile : « Que sert à l’homme de gagner l’univers s’il vient à perdre son âme ? » (Luc 9,25).
Regardez bien autour de vous … regardez-vous vous-même, car vous en êtes de ce peuple des Saints. Il suffit de vous faufiler dans cet « immense cortège ». Il vous suffit de vous mettre en route, comme l’enfant prodigue.
Dieu ne se contente pas de vous attendre à la porte du ciel, de vous apercevoir de loin. Il court vers vous, Il se jette à votre cou et vous embrasse longuement (Luc 15, 20). Être Saint, c’est si simple ! Il suffit de se mettre en route vers son Père qui fera tout le reste. Amen.
Cardinal Roger Etchegaray

Jan Van Eyck (avant 1395, Maaseik – 1441, Bruges), Huile sur vélin sur panneau. 12,7 x 14,6 cm. Musée d’art de Philadelphie, Philadelphie.

Cette brillante démonstration de la technique microscopique de Jan van Eyck met en valeur sa capacité à créer des images qui semblent à la fois très nettes et très lointaines. L’artiste a méticuleusement représenté le moment, au cours d’un jeûne de quarante jours dans le désert, où Saint François d’Assise a reçu les blessures du Christ crucifié (les Stigmates), que l’on voit ici tenu en l’air par un séraphin ou un ange.

Bien que Van Eyck ait placé la scène dans le paysage rocheux de la légende, il a inclus au loin une ville néerlandaise animée, comme pour suggérer que le miracle est visible au-delà des limites du temps ou de la géographie.

La petite taille de l’image suggère qu’elle était conçue comme un objet portable et personnel, facile à tenir dans les mains et rempli de détails qui méritent un examen attentif et répété. Le tableau a probablement voyagé du vivant de l’artiste ou peu de temps après, peut-être lors d’un pèlerinage d’un de ses premiers propriétaires à Jérusalem.

À savoir que l’artiste Van Eyck est le premier peintre de l’histoire qui a utilisé la peinture à l’huile!

Bonne fête de Saint François d’Assise.